martes, 25 de septiembre de 2012

Les Neiges du Kilimandjaro (Las Nieves del Kilimanjaro)

Año: 2011.

Dirección: Robert Guédiguian.

Intérpretes: Ariane Ascaride, Jean-Pierre Darroussin, Gérard Meylan.

Sinopsis
Un expediente de regulación de empleo acaba con Michel (personaje interpretado por Jean-Pierre Darrousin) en el paro, pese a ser uno de los representantes sindicales de la empresa y que si así lo hubiese deseado, podía haber quedado fuera de tal regulación.

Vive con su mujer Marie-Claire (personaje interpretado por Ariane Ascaride) adaptándose a su nueva situación de desempleado. No obstante, su paz se ve resquebrajada cuando es asaltado, junto con su esposa y una pareja de amigos, por un par de encapuchados armados con la intención de robarles. Este acontecimiento y la identidad de los atracadores suponen un gran cambio en la vida del matrimonio y desencadenaran una serie de acontecimientos movidos por sentimientos contrapuestos.

Crítica
Película francesa con muy buena crítica en general y muy buenas reseñas en el mundo bloggero. Eso nos ha hecho decantarnos por ella. La hemos visto y compartimos aquí nuestras impresiones al respecto.

Las Nieves del Kilimanjaro es una cinta que retrata la problemática laboral que muchos ciudadanos están viviendo en la actualidad en cualquier ciudad europea, y como esa falta de empleo y el miedo a perderlo afecta en las relaciones sociales y en la vida personal de cada uno de los individuos. La crisis económica-financiera por la que está atravesando el modelo económico occidental desde hace ya unos años, causa grandes destrozo en el empleo, aumentando las cifras del paro día a día y mes a mes. Como siempre pasa, estas crisis afectan a la clase obrera y trabajadora, pese a ser provocada y generada por los "ricachones de turno", quienes vivían y siguen viviendo "a cuerpo de rey". La clase media y baja, trabajadora y que no entiende de primas de riesgo y de bonos de deuda, se ve afectada de lleno y sus trabajos desaparecen o peligran. Los expedientes de regulación de empleo, justificados unos, aprovechándose del momento y de las ventajas gubernamentales otros, están al orden del día y se suceden sin discontinuidad alguna. Las plantillas se recortan y el papel de los representantes sindicales de las empresas queda en entredicho. En este caso, Michel, pese a formar parte del cuerpo de representación de los derechos de los trabajadores y pudiendo quedar fuera del expediente de regulación, decide incluir su nombre junto con el del resto de sus compañeros en un sorteo que dará con veinte empleados en el paro. Su nombre es uno de los que aparece en las papeletas elegidas y por tanto, acabará sin empleo.

La situación de desempleo de Michel es el punto de partida de la película. A partir de ahí, la historia sabe retratar cómo es la situación de una persona de más de cincuenta años y que se encuentra desempleado. Problema que afecta a muchas personas en la actualidad en Europa y América. Personas en el tramo final de su carrera, tras una dedicación de décadas a su empresa y que se ven avocadas al paro. La incorporación de estas personas de nuevo al mundo laboral es compleja, dado que es difícil reciclarse. En eso, la película acierta, y es uno de los primeros temas que toca. Michel no sabe qué hacer con su tiempo, se aburre. Trata de buscar empleo, trata de entretenerse con la familia y con las tareas domésticas, pero no está acostumbrado a vivir sin trabajar. No está jubilado, pero no encuentra trabajo. El guión trata estas cuestiones con total naturalidad y sin dramatismos ni exageración alguna, infundiendo una gran dosis de credibilidad.

El segundo tema abordado es la problemática social y personal asociada a la falta de empleo, encarnándose en uno de los jóvenes atracadores, también en paro y afectado por el mismo recorte de plantilla. La necesidad de este joven, quien ha de cuidar y mantener a sus dos hermanos pequeños por desentendimiento de los progenitores, le hace recurrir a lo que sea para obtener el dinero necesario para pagar el alquiler y alimentar a sus hermanos. En esto, pese a ser una situación que se puede dar y se da, quizá pueda parecer que se esté extremando la situación para reflejar con más intensidad la crueldad de la misma y la clara necesidad por sobrevivir. No obstante,  es un elemento necesario para la segunda parte del film, donde aparece lo conmovedor y la solución final, de la cual no hablamos para no avanzar nada a los lectores que no la hayan visto.

La naturalidad con la que se narra la historia y la honestidad de la dirección, hacen que la cinta nos conmueva y haga crecer en nosotros un brote de optimismo y sensibilidad. Rebusca en nuestro interior y le da forma a un principio de convencimiento que nos lleva a pensar que sigue habiendo bondad y solidaridad en la sociedad actual, la cual, curiosamente, sale a relucir en las situaciones más duras y más difíciles. Empleamos el adverbio curiosamente de forma expresa para hacerles llegar la siguiente reflexión:  esta solidaridad, nobleza y honestidad se da entre la gente más humilde y en situaciones de necesidad, situaciones que han sido generadas por otros, quienes no muestran solidaridad, honestidad y nobleza alguna. Lanzamos desde aquí un grito de lucha en pro de la honestidad de las personas y las entidades. ES NECESARIO.

En ese segundo tramo que no queremos desvelar, es donde aparece la componente conmovedora, la que emociona y la que te hace sentir bien, te calma. Y eso es algo que nos gusta, el que el cine nos transmita, nos emocione, nos conmueva y, además, sin dramatismos extremos, ni lágrima fácil. 

Esta fábula realista con poso de crítica tiene éxito por la completo del guión, por la honestidad de la dirección, por la naturalidad de la narración y por la compleja simplicidad de las interpretaciones. Tanto Ariane Ascaride como Jean-Pierre Darroussin consiguen unas interpretaciones muy completas, muy nobles y nos atrevemos a decir, simples. Sí simples, a modo de halago. Interpretación sin alardes. Con toda nuestra admiración, es como ver a nuestros padres ejerciendo de su papel principal en la vida, el de ser padres y unos bueno padres.

Desde esta tribuna queremos recomendar este producto calmado y natural que nos ha dejado un poso muy agradable.

Nota general: 7,0 sobre 10.

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sábado, 22 de septiembre de 2012

Dark Shadows (Sombras Tenebrosas)

Año: 2012.

Dirección: Tim Burton.

Intérpretes: Johnny Depp, Michelle Pfeiffer, Helena Bonham Carter, Eva Green, Jackie Earle Haley, Jonny Lee Miller, Chloë Grace Moretz, Christopher Lee, Alice Cooper.

Sinopsis
Historia basada en la serie televisiva creada por Dan Curtis.

La familia Collins viaja desde Liverpool a América en el siglo XVIII huyendo de su pasado y buscando crear riqueza. Se establecen en la costa y levantan un próspero negocio de pesca y envasado, creándose una ciudad que llevará su nombre, Collinsport, donde la familia levantará su mansión, Collinwood.

El hijo de los Collins, Barnabas (personaje interpretado por Johnny Depp), rechaza el amor de Angelique Bouchard (personaje interpretado por Eva Green), sin saber que es una bruja y que depositará sobre la familia varias maldiciones tras ese despecho amoroso. Será la responsable de la muerte de sus padres y de su amada, además de convertirle en vampiro y condenarlo a ser enterrado vivo.

Pasados dos siglos Barnabas será desenterrado por casualidad y volverá a Collinwood para llevar a sus descendientes a la posición social y económica que en el pasado tuvieron, además de consumar su venganza. No obstante, el mundo le será practicamente irreconocible después de casi 200 años.

Crítica
Seguimos del sofá a la cama y de la cama al sofá. No obstante, eso nos está sirviendo para darle salida a todas esas películas acumuladas que han ido cayendo en nuestras manos por diversas vías y que ahora aprovechamos para visionar.

Sinceramente, el hecho de elegir este Dark Shadows no ha sido por una cuestión de ganas de verla, dado que después de lo poco que nos gustó Alicia en el País de las Maravillas (anterior cinta del director Tim Burton que visionamos), más bien ha sido una elección de producto muy ligero y digerible para una sobremesa destinada al reposo.

Es un película típicamente Burton, en la que podemos reconocer todos sus elementos básicos, comenzando por varios de los integrantes del reparto. Ese trío Burton-Depp-Bonham Carter debe de ser uno de los más repetidos y prolíferos de la historia del cine; hecho que, desde nuestra modesta postura y gusto, comienza ya a cansar. Además encasilla a Depp en el maquillaje, lo oscuro y en el tetricismo de Eduardo Manostijeras, Sleepy Hollow, Alicia en el País de las Maravillas, etc., algo que no creemos que le haga ningún bien a su carrera, posiblemente sí a sus bolsillos. Bien es verdad que ha sabido alternar estos trabajos con otros papeles muy alejados de éste, ya sean cómicos o más dramáticos.

Como presuponíamos la película no es nada del otro mundo. Por muchas ganas que tengas de reír e incluso de que la sonrisa "se te caiga", mucho lo has de forzar durante la primera hora, para acabar en el más profundo aburrimiento en el tramo medio y final, pese a que el bueno de Depp intenta rescatarte y robarte alguna risilla más.

Técnica y visualmente muy lograda, como es propio del director, aunque poco más a su favor se puede decir. La historia no engancha, además de ser bastante previsible y por momentos aburrida. Nos da la sensación de que se ha querido alargar en exceso sin tener material para ello. Para completar un largo se necesita algo más de historia. Por tanto es poco profunda y falta de contenido. En ningún momento logra enganchar, emocionar, transmitir o contagiar, y si no da cabida a ninguno de estos cuatro verbos, dista de ser una cinta destacable que nos haya satisfecho.

En ocasiones nos parece un desfilar de personajes, sin pies ni cabeza, ni alma, por una atmósfera pseudo-gótica y pseudo-vampírica, apareciendo en pantalla sin encontrársele contribución alguna ni aportando nada al desarrollo de la historia.

Es una comedia en la que cuando acaba todo el metraje no recuerdas ningún "gag" ni ningún chiste. Como ya hemos comentado, alguna sonrisa se nos escapa, pero poco más. No es suficiente y se aleja mucho de las pretensiones iniciales.

Con todo ello, no podemos hacer otra cosa que darle un suspenso bajo y para nada se la podemos recomendar, si bien, a nuestro juicio, mejora al nefasto Alicia en el País de las Maravillas. La eliminaremos pronto de nuestra memoria, tratando de dejar espacio para cosas mejores que, indudablemente, las hay.

Nota general: 3,0 sobre 10.

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martes, 18 de septiembre de 2012

Grupo 7

Año: 2012.

Dirección: Alberto Rodríguez.

Intérpretes: Mario Casas, Antonio de la Torre, Joaquín Núñez, José Manuel Poga, Inma Cuesta.

Sinopsis
El Grupo 7 es un conjunto de policías formado por Ángel (personaje interpretado por Mario Casas), Rafael (al que da vida Antonio de la Torre), Miguel (José Manuel Poga) y Mateo (Joaquín Núñez). Su cometido es limpiar el centro de la ciudad de Sevilla de droga, en los años previos a la Exposición Universal del año 1992.

Estos cuatro policías sin escrúpulos emplearán todos lo métodos a su alcance para cumplir con su objetivo, logrando rápidamente muchos éxitos y gran popularidad. No obstante, por eso mismo, comienzan a estar bajo sospecha dentro del propio cuerpo de policía y acaparan todo el odio de traficantes y camellos.

Crítica
Recientemente elegida como una de las integrantes de la terna de candidatas a representar a España en la entrega de los Oscar de la Academia, Grupo 7 cae en nuestras manos y con todos nuestros lectores queremos compartir las sensaciones que nos ha transmitido y nuestro parecer sobre última cinta de Alberto Rodríguez, director de, entre otras, After y 7 Vírgenes (parece que el número siete le gusta).

Nos ha sorprendido gratamente y nos ha gustado a pesar de Mario Casas (y eso que bien podría ser un muy buen amigo mío, gallego él también). Como ya hemos comentado, se ambienta en Sevilla en los años pre-EXPO 1992, donde la policía tenía como misión principal limpiar el centro de la capital andaluza de droga, tratando de lavar la cara de la ciudad para el evento universal. Con esa idea, se ha creado una historia muy bien narrada que nada tiene que envidiar a los mejores guiones americanos escritos para películas del género, además de estar muy bien "adaptado" o "enmarcado" en situaciones y atmósferas nacionales, locales... En ello nos recuerda un poco a Enrique Urbizu. También en la oscuridad y en el manejo de la no-luz.

No sólo la ambientación decadente de las zonas marginales de Sevilla ha sido un éxito, también lo es el decorado y la estética ochentera en la que transcurre la historia. No pueden faltar elementos básicos para darle forma a la historia:  el juego de ambiciones y aspiraciones personales encarnado por el personaje de Mario Casas, el dolor calmado y sombrío y el sentir afligido de un excelso Antonio de la Torre, que desataca toda su ira violencia ante la causa de la muerte de un ser querido, y el interrogante planteado del "si todo vale con tal de conseguir el objetivo propuesto". En ese sentido deriva hacia los difíciles límites del bien y del mal, del si todo vale, del si se pueden justificar todos los métodos policiales en todas las situaciones, cruzando la línea de la legalidad por muy obvia que sea la realidad de los hechos. La historia ha sabido moverse dentro de esos estrechos márgenes sin derivar a ninguno de los precipicios, si bien, sí que lo hace sugiriendo corrupción y mucho juego sucio, tanto a nivel de calle, como de despacho, como de "politiqueo". La recreación de los nichos marginales es completa y totalmente descriptiva, así como el saber hacer y el cómo moverse de los personajes en ellos. La crítica a la institución, ahí queda también.

También destacamos el transcurrir temporal de los hechos y el ir intercalando   imágenes del avance de las obras de la EXPO. El hecho de montarla así acelera el ritmo de la película; según avanzan las obras y se acerca la fecha de la inauguración, el ritmo aumenta y la intensidad de las acciones policiales, el volumen de operaciones, la necesidad de resultados y los problemas también, hasta que, finalmente, tras la inauguración, todo se desacelera y ya está, todo acaba. Condecoración y a otra cosa.

Por todo lo que hemos comentado se refrenda una parte de nuestra afirmación primera, el hecho de que el film nos haya gustado y nos haya sorprendido, por lo que no podemos hacer más que destacarlo, hablar bien de él y recomendarlo. La segunda parte de tal afirmación hacía mención a las interpretaciones de los protagonistas y en concreto a uno de ellos. Pues allá que vamos. En ese terreno tenemos de todo un poco; muy bueno, bueno y regular tirando a malo. Empezando por lo último y por ese "a pesar de" tenemos que hablar de Mario Casas, actor que no nos acaba de enganchar ni transmitir. Tenemos la sensación de que se encuentra alojado siempre en el mismo tipo de papel;  "guaperas con toque rebelde y que quiere aparentar pose de duro". Un intento de rebelde sin causa español, enfundado en camisetas de tirantes para lucir un poco de bíceps y moreno, pero con un halo de poca transmisión y una interpretación no convincente, que nos aleja muchísimo de todo lo que ha hecho por el momento. A continuación y elevando el nivel de simpatía que mostramos ante sus interpretaciones, tenemos la naturalidad y espontaneidad de  José Manuel Poga y Joaquín Nuñez. Ellos dos completan el póker de caracteres del equipo: un gran acierto. Y por último queríamos acabar con lo mejor, con Antonio de la Torre. Encabeza el reparto, lidera el Grupo 7 y se está reivindicando como uno de los mejores actores nacionales, uno de los que más ha evolucionado y que demuestra que cuando se le da la oportunidad, ya sea de actor principal o secundario, lo borda, como ya hiciese también en  otras cintas aquí reseñadas, PrimosBalada Triste de Trompeta.

Concluyendo, una película bastante buena y que nos engancha ya desde el principio, con un comienzo vertiginoso que sorprende desde el principio (¡cómo nos gusta comenzar así!) y consigue mantenerte expectante hasta el final. Siendo generosos (lo estamos siendo y lo sabemos) y fáciles, este Grupo 7 merece un 7.

Nota general: 7,0 sobre 10.

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viernes, 14 de septiembre de 2012

The Pelayos

Año: 2012.

Dirección: Eduard Cortés.

Intérpretes: Daniel Brühl, Lluís Homar, Miguel Ángel Silvestre, Oriol Vila, Vicente Romero, Blanca Suárez, Eduard Fernández, Marina Salas, Hui Chi Chiu.

Sinopsis
Película a modo de bio-pic, basada en la vida de la familia Pelayo, quienes hicieron fama y riqueza a costa del juego, elaborando un método estadístico que les permitía ganar en la "ruleta" de los casinos, basado en las imperfecciones de las mesas en su fabricación.

El film se ambienta en los primeros pasos del método (no en las primeras incursiones del patriarca familiar, Gonzalo García-Pelayo -interpretado por Lluís Homar-) y en los primeros casinos que consiguieron asaltar.

Crítica
Cinta que por diversas razones queríamos haber visto en su paso por la cartelera y que no pudimos hacer en su momento. Entre los distintos motivos destaca la pasión de un buen amigo por el mundo del juego (va por ti Mario) y por la intervención/recomendación de uno de los lectores más entendidos de este espacio escaso de criterio. Es también la primera ocasión en la que nos acercamos a una de las obras del director catalán Eduard Cortés.

Película sobre el mundo de la suerte y la fortuna, sobre cómo ésta puede ser cierta o no, o puede estar influenciada por factores ajenos al azar, y sobre cómo ésta se puede perseguir, tratando de persuadirla, seducirla, moldearla y conseguirla. No obstante, corre distintas suertes en cada uno de sus elementos y la fortuna no siempre le sonríe, al menos bajo nuestra indiscreta y vacía mirada. Alguien la definió ya como un querer y no poder; no le faltaba una buena dosis de razón.

Cortés consigue un producto de género en el que se reconocen los elementos característicos de las películas de timos de siempre y también de esa nueva estética elegante, electrizante y de innovador montaje que Steven Soderbergh reinventó en su saga Ocean's, discurriendo ellas también en el mundo de los casinos y el juego.

Sin ánimo de ofender, desde el principio nos ha parecido algo pretenciosa, empezando por el "anglicismo" en el título, respondiendo quizá, y a nuestro juicio, a un halo desesperado de grandeza y queriendo dar una visión más cosmopolita del film. Es una mera percepción y lo que nos ha sugerido. El estilo quiere aproximarla a las cintas de la ya mencionada saga Ocean's, con una puesta en escena elegante, un reparto amplio y con ritmo avivado. Difiere de ella en la atmósfera creada y en la luz, la fotografía: más oscura en este caso, lo que nos ha gustado. Pero hasta en el papel de Lluís Homar como patriarca de la familia y cerebro de toda "la operación", nos recuerda en exceso a la situación de Jimmy Ocean en la primera de las cintas de Soderbergh; una mezcla de talento, obsesión y venganza.

Es entretenida, que no es poco, y agradable, pero no alcanza lo pretendido y se queda en algo menor de lo que se esperaba. Por momentos es incluso chulesca, cuestión que se ha de tratar con mucho tacto en el cine si no se quiere caer en el mayor de los ridículos. El sombrero y las gafas en el impasible Daniel Brühl no nos han convencido y su interpretación falta de energía tampoco. Realmente le ha faltado vigor y profundidad. Por contra, destacaríamos la de Lluís Homar, reconociendo que no es de nuestros actores preferidos, pero su trabajo en esta cinta hay que, al menos, mencionarlo. Además, siempre nos produce cierta sensación de bienestar la aparición de Eduard Fernández.

Es una película que no quedará guardada en nuestras sinapsis neuronales; pasó por nuestras retinas, pero creemos que con el tiempo (y poco) no quedará mucho rastro de ella en el cerebro. No obstante, es entretenida y para un rato de diversión ligera y sin necesidad de estrujarse el intelecto,  puede servir. A lo que dejo la pregunta, ¿y no es eso para lo que sirve el cine, para entretener?


Nota general: 4,0 sobre 10.

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domingo, 9 de septiembre de 2012

The Ides of March (Los Idus de Marzo)

Año: 2011.

Dirección: George Clooney.

Intérpretes: Ryan Gosling, George Clooney, Paul Giamatti, Marisa Tomei, Philip Seymour Hoffman, Evan Rachel Wood.

Sinopsis
Basada en la obra "Farragut North" de Beau Willimon.

Ambientada en el seno de las elecciones primarias del Partido Demócrata de Estados Unidos y en el juego político, ético y de interés que se crea y se desarrolla.

Stephen (personaje interpretado por Ryan Gosling) es el director de comunicación de la campaña de un prometedor gobernador (al que da vida George Clooney) en el seno de las elecciones primarias del partido demócrata. La campaña se verá salpicada por varios sucesos que pondrán a prueba la lealtad y los principios, tanto de candidatos como de los directores de campaña de ambos candidatos (personajes interpretados por Paul Giamatti y Philip Seymour Hoffman) y del propio Stephen.

Crítica
Continuando con este transcurrir por la cartelera de estos dos últimos años, en esta ocasión le toca el turno a la última cinta dirigida por George Clooney, The Idus of March, con un importante cartel de figuras, dado que al propio director le acompañan en la interpretación Philip Seymour Hoffman, Paul Giamatti, Ryan Gosling (con quien parece que rivaliza incluso en el cartel de la película a modo de "duelo de guapos") y Marisa Tomei.

Es un film que se mueve en el terreno del thriller (le falta algo de ritmo y tensión para ello), de la política, de la moralidad y del drama. Nos trata de acercar a ese feo juego de la política, las campañas electorales y del que todo vale con tal de ser elegido, aparcando las convicciones, los principios éticos y morales e incluso la vergüenza. Donde cualquier dudosa información o "trapo sucio" se puede emplear para desprestigiar al oponente y donde la "compra-venta" de favores y promesas, por votos, está a la orden del día, sin mediar escrúpulos de ningún tipo y abandonando cualquier principio o creencia en lo predicado. En ese sentido no nos cuenta nada que no sepamos, aunque nos siga pareciendo sorprendente, y nada que no nos imaginemos al observar la clase política actual que tenemos (¿reflejo de lo que somos?. ¿la que nos merecemos?), por lo que el grado de sorpresa ha sido mínimo y durante el visionado hemos caído en el pozo del "ya lo lo hemos visto", "esto nos suena", "me imagino lo que va a pasar".

Con una elegante puesta en escena (a lo que contribuyen sin duda "la percha" de sus dos principales protagonistas), la historia está concebida y mostrada con demasiada solemnidad (propio del aire clásico que ya ha imprimido Clooney a alguno de sus títulos anteriores) lo que la convierte en un producto interesante, pero que peca de falta de ritmo y profundidad, faltándole unas cuantas unidades de energía.

Como ya hemos comentado, uno de los grandes atractivos de la película es su plantel de estrellas. Nos obstante, no todo su talento se ha puesto sobre la mesa. En eso también adolece de profundidad, al igual que la propia historia. Buenos actores que completan interpretaciones correctas, pero no más.

Técnicamente es muy elegante; como diría un amigo nuestro, "se hila fino".

Es un ejercicio correcto que destaca por lo elegante, pero que suspende en lo referente a ritmo, tensión y profundidad, tal y como se refleja en el rostro impasible, a modo del que ya nos mostró en Drive, de Ryan Gosling. 

Nota general: 5,5 sobre 10.

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miércoles, 5 de septiembre de 2012

The Iron Lady (La Dama de Hierro)

Año: 2011.

Dirección: Phyllida Lloyd.

Intérpretes: Meryl Streep, Jim Broadbent.

Sinopsis
Bio-pic basado en la vida de la que fuera primera ministra del Reino Unido de Gran Bretaña, Margaret Thatcher (personaje interpretado por Meryl Streep), a quien los rusos pusieron el sobrenombre de La Dama de Hierro.

En un relato narrado desde la intimidad, una anciana Maggie va rememorando distintos episodios de su carrera profesional a través de sus recuerdos, haciendo especial hincapié en las barreras sexistas que tuvo derribar y en las duras decisiones que tuvo que tomar, sin olvidar el coste personal y profesional que sus firmes convicciones le hicieron pagar.

Crítica
En este repaso que estamos haciendo de las principales cintas de los años 2010 y 2011, y ante la imposibilidad de acercarnos a las salas de cine por nuestra lesión, en esta ocasión elegimos The Iron Lady, cinta por la cual Meryl Streep volvió a recibir un merecidísimo Oscar, alargando, aún más si cabe, un extenso y brillante currículum. Estando en cartelera se nos escapó, pero ahora desde el reposo y la tranquilidad del sofá de casa no volverá a suceder.

Sinceramente creemos que la reseña de la película se podría resumir a dos oraciones simples: una impresionante Meryl Streep, una vez más, y una pobre película. El regusto que nos deja es que la única justificación de tal ejercicio es la extraordinaria interpretación de Meryl Streep, cosa que no es poco y más lo quisieran la mayoría de las cintas que pasan por este espacio de incultura cinematográfica, pero por lo demás....prácticamente nada.

Meryl Streep encarna a la Dama de Hierro durante su mandato como primera ministra del Reino Unido de Gran Bretaña y en la vejez, haciendo frente a sus problemas de salud mental. La gran Dama del cine de las últimas décadas encarna a otra gran Dama del siglo XX; se coincida o no con sus decisiones políticas y su ideología, nadie puede negar que lo conseguido por esta humilde mujer inglesa fue espectacular. Fue capaz de imponerse en un mundo de hombres y fue capaz de hacerse respetar en todo el planeta, convirtiéndose en una figura histórica y en una persona reconocida, admirada y temida. Conservadora entre los conservadores (a políticos no vamos a jugar aquí, porque más escaso es todavía nuestro criterio) sus firmes convicciones casi le causan el mandato en los primeros años, para darle la razón posteriormente, sin temblarle la mano ante decisiones tales como cerrar las minas de carbón, parar la industria siderúrgica, su firmeza contra el IRA o responder enérgicamente ante la invasión del ejército argentino en las Islas Malvinas (suelo de soberanía británica). Ni los ataques de la prensa, ni políticos, ni personales, ni incluso los atentados, hicieron desistir lo más mínimo a esta mujer en su forma de actuar.

Nadie mejor para interpretar este reto de personalidad femenina y carácter humano que una de las grandes actrices de todos los tiempos, nuestra admiradísima Meryl Streep. Sí señores, sí. Aquí no valen las medias tintas, esta mujer es una de las mejores actrices, qué digo, de los mejores actores (hombres y mujeres juntos) de la historia del cine, y no sólo porque así lo diga el gran número de premios y nominaciones recibidas, sino porque ahí quedan las múltiples, variadas y sublimes interpretaciones que nos deja, las cuales ni nos atrevemos a mencionar por miedo a dejarnos alguna. Ha sido capaz de hacer de todo y todo bueno, lo que nos lleva a preguntarnos si hay algo que no pueda hacer con una nota inferior al 8....no sé, sencillamente magistral. Si existiese un verdadero paseo de la fama, ella, junto con otros siete u ocho, debería tener la mitad de la calle...la acera de los mitos; en este caso mito viviente. Y además, desde la simplicidad, la naturalidad. Sin grandes luces, sin ruido excesivo. Simplemente saber hacer: talento y trabajo que convergen en calidad e interpretaciones excelsas.

Alabada la interpretación de Meryl Streep, el resto es vacío casi completo. La película no logra hacernos bucear en su océano en ningún momento y de no ser por esa magnífica interpretación, la cinta hubiese pasado sin plena ni gloria por delante de nuestros ojos.  Los distintos personajes no logran calar y se nos hacen muy ajenos.

Hace tiempo leímos una crítica que la tildó de "despistada" y en su momento no entendimos; ahora lo suscribimos plenamente. Únicamente destaca por lo ya mencionado y por poner de evidencia, a quien no conociese el personaje (sólo comprensible por motivos de edad), la dureza y lo implacable de esta mujer. No obstante suspende notablemente en la pretensión de darnos la visión humana de la persona, en presentarnos lo que se escondía detrás del personaje: sus contradicciones, su vida personal, sus inquietudes,... más allá de sus decisiones como primer ministro.

Hemos de decir que el formato de continuo flashback en base a recuerdos puntuales tampoco nos ha calado; nos "despista" e incluso nos desorienta. Para hacer esto, hay que saber hacerlo y se corre el riesgo de alejar al espectador por desorientación con gotas de cansino cansancio, y en este caso es lo que ocurre.

El aprobado raspado lo tiene única y exclusivamente por la brillantez de Meryl Streep, de no ser por ella el resto de la cinta se quedaría por debajo de la media aritmética entre el aprobado y el examen en blanco.

Nota general: 5,0 sobre 10.

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martes, 4 de septiembre de 2012

Animal Kingdom

Año: 2010.

Dirección: David Michôd.

Intérpretes: James Frecheville, Ben Mendelsohn, Guy Pearce, Jacki Weaver, Joel Edgerton, Luke Ford, Sullivan Stapleton, Dan Wyllie, Anthony Hayes, Laura Wheelwright, Mirrah Foulkes.

Sinopsis
El joven Joshua “J” Cody (personaje interpretado por James Frecheville) ha de sobreponerse a la muerte de su madre por sobredosis. Para ello recurre a su abuela Janine (personaje interpretado por Jacki Weaver), quien hace años que no tiene relaciones con Joshua y su madre (la propia hija de Janine).

Su abuela vive en Melbourne y es "la patriarca" de la familia. Vive con  sus hijos, quienes se dedican a diferentes negocios ilegales. Es entonces cuando Joshua se verá involucrado en una serie de acontecimientos sangrientos y tendrá que decidir entre delatar a su familia o ponerse de su lado. El agente de policía Leckie (Guy Pearce) tratará de persuadirle y convencerle para que salga de ese mundo delictivo y testifique en contra de sus tíos.

Crítica
Hace ya muchas semanas que nos acercamos a esta cinta del año 2010 que tan buenas críticas recibió y que tanto nos recomendó uno de nuestros seguidores y amigos; el también dual Jotta Muchacho y/o Gaizka Mendiguetta. No obstante, el trabajo, nuestra situación y el reciente y obligado paso por el hospital nos ha impedido dejarles unas líneas que completen nuestras reflexiones sobre la cinta.

Es una cinta bastante interesante. Alejada de todo el glamour de las cintas americanas e insertándose en los cánones del cine independiente, nos presenta una historia no del todo convencional y tratada con excesiva naturalidad; en ocasiones se convierte en aguda frialdad. Minuciosa en las formas, aspira a drama que rezuma psicología, si bien la pretensión original no se consigue y no acaba de aprobar en ese aspecto.

El director se toma su tiempo en describirnos la forma de ser de cada uno de los personajes y, si bien se trata de una historia de violencia, en ningún momento se recrea en ella, ni es el elemento base y crucial del film. Lo sangriento y lo violento son meros elementos más, en los que no se nos hace detener; nos sirven como una parte descriptiva más de la personalidad de los protagonistas.

La austeridad de la cinta, la frialdad de la puesta en escena y la naturalidad de las interpretaciones nos completa un drama humano que ha conseguido atraernos. Se aleja de las películas al uso de su género, no tanto por la historia, más bien por las formas y el transcurrir de la cinta. Lenta y pausada, va "in crescendo", y se cierra con un desenlace que pone el punto final al informe descriptivo de la personalidad moldeada y a moldear del joven protagonista.

A estos elementos positivos hemos de unirle una interesante selección musical que acompaña a la perfección a ese devenir pausado.

Concluyendo, es una historia inquietante presentada con toda naturalidad y que nos deja un poso agradable, amable y de total calma, pese a que la problemática presentada nos debería alejar de estos calificativos. Nos complace poder aprobarla, si bien el notable sería un alarde.

Gracias Jotta!!

Nota general: 6,0 sobre 10.

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