lunes, 23 de enero de 2012

Primos

Año: 2011.

Dirección: Daniel Sánchez Arévalo.

Intérpretes: Quim Gutiérrez, Raúl Arévalo, Adrián Lastra, Inma Cuesta, Antonio de la Torre, Clara Lago, Nuria Gago, Alicia Rubio, Marcos Ruiz.

Sinopsis
Una boda frustrada. Diego (personaje interpretado por Quim Gutiérrez) se planta el día de su boda en al altar, con su traje, pero sin novia y sin muchas trazas de que se presente. Ella ha decidido dejarle.

Ante esa situación y sin haber avisado a  parte de los invitados, Diego se presenta en la iglesia para comunicarlo... ¿Y qué hacer ahora? Pues bien, junto a sus primos Julián (personaje interpretado por Raúl Arévalo) y José Miguel (personaje de Adrián Lastra), deciden ir a Comillas, pueblo en el que veraneaban en la juventud, tratando de reconquistar a Martina (personaje interpretado por Inma Cuesta), un viejo amor de la adolescencia por el que Diego quedó marcado. Así tratarán de olvidar el desengaño amoroso pre-boda.

Crítica
Pasa por delante de nuestro escaparate ignorante esta osada comedia de Daniel Sánchez Arévalo y pensamos que nos puede amenizar la tarde-noche.

PRIMOS, gran palabra. Presente en muchos de nosotros y que nos evoca complicidad y amistad, mas allá de un simple parentesco. Es un término al que le conferimos una gran relevancia dado que no sólo refleja el hecho de compartir gran cantidad de tu material genético con otra persona por razones que no has podido elegir y que te vienen dadas por el mero hecho de existir y por el mero hecho de nacer en el seno de una familia. En él, en la palabra en cuestión, se encierra amistad, complicidad, vivencias, veranos de infancia juntos... sentimiento profundo y arraigado que la distancia y el tiempo no podrán borrar, y mucho menos anular. Y eso se refleja en esta comedia... Pero vamos a lo cinematográfico que pierdo con facilidad el norte y comienzo a divagar...

PRIMOS es una comedia con cierta frescura y una cierta y extraña habilidad para aportarnos algo de luz, algo más de ternura y bastante gracia. Sin llegar a lo emotivo, ni a la carcajada extrema, sí que nos aporta un ameno entretenimiento con regusto conmovedor y dulce.

Su monólogo de arranque en el altar de la iglesia es singular, arriesgado y graciosillo, adjetivos que le serían algo más superlativos de no ser por la falta de chispa de Quim Gutiérrez. A partir de ahí, y teniendo como punto de partida una alocada idea a modo de remedio paliativo y de maniobra de distracción, el río por el que navega la película es de meandros previsibles y con escasos saltos que aceleren el curso de un cauce sano pero insuficiente para los amantes de la piragua   y el kayak. Es decir, previsible y con poco oxígeno. Eso sí, no le podemos negar cierto atractivo en cuanto a carga de ternura y al aroma a "fiestuki" de adolescencia, con el humor propio de esas situaciones y de esas vivencias.

Por tanto tenemos un guión correcto con una dirección pulcra que se ve completada por un abanico de interpretaciones de todo tipo. Desde el ya presentado Quim Gutiérrez, con su máster en sobreinterpretación y su gesticulación propia del amargor provocado por la anestesia de un mal dentista o de un limón rico en ácido cítrico, a la finura humorística de Raúl Arévalo, pasando por las dosis de ternura y belleza que le da Inma Cuesta y por el saber hacer, el aplomo y la sobriedad de Antonio de la Torre.

Por resumir tratando de abreviar, cosa que seguro que nos agradecen, vamos a sentenciar. Lo bueno: graciosa, tierna, limpia, sana, ciertamente fresca y sin pretensiones. Lo malo: muy previsible, carente de "punch", alguna de las interpretaciones y no logra transmitir todo lo que podría.

Se la recomendamos para esa tarde de domingo o sobremesa de fin de semana en la que quieran pasar un agradable rato, aliviando el estrés semanal, sin querer pensar demasiado y tratando de olvidar los problemas que les envuelven.

El aprobado? Uhmmm... se lo damos.

Nota general: 5,0 sobre 10.

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domingo, 15 de enero de 2012

Sherlock Holmes: A Game of Shadows (Sherlock Holmes 2, Juego de Sombras)

Año: 2011.

Dirección: Guy Ritchie.

Intérpretes: Robert Downey Jr., Jude Law, Noomi Rapace, Jared Harris, Stephen Fry, Kelly Reilly, Rachel McAdams, Geraldine James, William Houston, Gilles Lellouche, Eddie Marsan.

Sinopsis
Segunda entrega de la adaptación de Guy Ritchie sobre el clásico detective creado e inmortalizado por la pluma de Sir Arthur Conan Doyle.

En este caso, Sherlock Holmes (personaje interpretado por Robert Downey Jr) se enfrentará a una mente casi a la altura de la suya, el profesor James Moriarty (personaje interpretado por Jared Harris). Una eminente mente de la física y la matemática que ha puesto su ingenio al servicio del crimen y de su codicia. Sherlock Holmes y su amigo el doctor Watson (personaje interpretado por Jude Law) tratarán de evitar una guerra entre las primeras potencias europeas, confundidas por una serie de atentados y sucesos catastróficos detrás de los cuales están los intereses del profesor Moriarty.

Crítica
Guy Ritchie vuelve con su particular visión del detective creado por Conan Doyle. En esta ocasión la dupla Holmes-Watson ha de enfrentarse al más conocido y al más inteligente de sus adversarios, el profesor James Moriarty.

Es más del universo Guy Ritchie, que si bien sigue encasillado en formas, ejecuta una cinta muy entretenida y que logra transportarnos a esos rincones de la imaginación donde nuestras inquietudes no tienen cabida y parecen esfumarse sin mucho esfuerzo. Es 100% Ritchie y su sello está impreso por todas partes. No cuesta reconocer sus señas de identidad, si bien en esta ocasión, hay menos carga de violencia. El montaje, la oscura ambientación, la ironía, el sarcasmo, la coreografía de golpes, la construcción de las escenas, la narrativa,... elementos clásicos en él. Dicho así, podríamos decir que el director se encuentra encasillado en sí mismo y en el producto que lleva haciendo durante los últimos años (salvo alguna cosa extraña que hizo por medio): RocknRolla, Sherlock Holmes 1, Snatch,... Sus excesos característicos aparecen de nuevo, si bien logran una mejor sintonía que en la primera entrega y sensiblemente menos violenta.

En la saga no podía faltar el enfrentamiento Holmes Vs. Moriarty, su archienemigo, por lo que esta segunda entrega debía tener la historia centrada en el malvado y brillante profesor, tal y como se dejase entrever en el final de la primera entrega. No obstante, para ello, se ha escrito un guión  simplón y flojo. A pesar de ello, aún siendo un elemento básico, en esta ocasión, sobre él se sobreponen los efectos visuales, los efectos sonoros, el inventivo, aunque repetitivo y a veces confuso, montaje y las interpretaciones de sus protagonistas.

Aconsejable para ser disfrutada en el cine dado lo bien hecha que está y a la espectacularidad de sus efectos visuales y sonoros, a lo que acompaña, de nuevo, una apreciable banda sonora original compuesta por Hans Zimmer, uno de nuestros habituales en la sección de bandas sonoras y responsable de grandes BSO como RainMan, Inception, El Rey León, Sherlock Holmes, Ángeles y Demonios, Batman Begins y Batman The Dark Knight (junto a James Newton Howard), El Código Da Vinci, Gladiator, Piratas del Caribe...

Es verdad que al director le deberíamos pedir algo más y que no se quedase en lo anterior. Parece conformarse con repetir el mismo guiso una y otra vez, en quedarse en el seis y siete, cuando en ocasiones apunta al ocho-nueve. Debería ir un poco más allá, pisar el acelerador y terminar de explotar el talento que parece apuntar.

Las interpretaciones vuelven a ser muy buenas, sobre todo la del protagonista, Robert Downey Jr. También lo son las de Jude Law y Noomi Rapace (actriz nórdica que saltó a la fama por protagonizar la trilogía sueca de Millenium). No queremos dejar pasar la oportunidad de destacar los grandes minutos de Stephen Fry. No obstante, al personaje del profesor Moriarty le falta chispa, empaque y porque no decirlo, nombre; un actor de peso y de renombre.

Concluyendo. Las mayores virtudes son los efectos visuales, sonoros, las coreografías de ingenio y recreación de escenas de lucha, la banda sonora, el montaje, la oscura ambientación y las interpretaciones principales. Suspende en cuanto a profundidad del guión, en lo previsible de la historia, en la falta de un gran Moriarty... Además, como hemos dicho, desde aquí le demandaríamos a Guy Ritchie que "llevase lo suyo" un par de pasos más allá y se arriesgase en algo más. Podría descubrirse creando algo maravilloso.

Es una cinta a disfrutar en el cine: es entretenida y visualmente muy completa. Merece el precio de una entrada. Se la recomendamos.

Nota general: 6,5 sobre 10.

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Pagafantas

Año: 2009.

Dirección: Borja Cobeaga.

Intérpretes: Gorka Otxoa, Sabrina Garciarena, Julián López, Kiti Manver, Oscar Ladoire, María Asquerino, Michel Brown, Teresa Hurtado, Bárbara Santa-Cruz, Ernesto Sevilla, Santi Ugalde.

Sinopsis
Es la historia de ese joven "pardillo" y enamorado que se encuentra terriblemente "pillado" de la chica guapa y con la que no tiene ninguna posibilidad. Ella le ve como un amigo, un simple amigo, con el que nunca habrá ningún tipo de relación, ni en lo amoroso ni en lo sexual. Un PAGAFANTAS.

Crítica
Nos acercamos hoy a una comedia española, tópica y a la vez atípica. Simple, sin adornos y cercana. Esos tres adjetivos definirían sus mayores virtudes, lo que le confiere algo de entrañable y graciosa.

Y desgranemos esos adjetivos que le hemos brindado en el arranque de la crítica.

Tópica porque nos recuerda a ciertas comedias americanas de adolescentes, donde hay ciertos elementos que se repiten hasta la saciedad, tales como esa chica guapa y "buenorra", con el plus añadido de la extranjería, lo que la hace más necesitada de integración y amistad. Ese chico pardillo poco agraciado y poco afortunado en amores con ciertas "preocupaciones sexuales". La abuela visionaria que le pone los puntos sobre las "ies". La figura de un padre, en este caso candidato a padrastro, que es cercano, comprensivo y tratará de ayudarle en todo, pero que roza lo ridículo y cargante (ciertas reminiscencias a ese gran padre de Jason Biggs en American Pie). Chico musculado y guapo, que aunque un poco "cabrón", siempre se llevará a la chica guapa... ¿por qué las guapas siempre prefieren a los malotes?

Atípica. Por su simplicidad. Desde el primer minuto es simple, cercana, natural y por momentos entrañable, lo que le confiere todo... tanto desde el punto de vista humorístico como desde el punto de vista cinematográfico... Porque es divertida, pero no es sólo eso, no es una mala película. Tampoco algo brillante, pero no mala.

Simple. Nada de fuegos de artificio, ni historias paralelas sobrantes, ni brillantes efectos, ni cargada en sexo, en maquillaje, en estridencias que la harían mundana.

Cercana. Es el personaje de Gorka Otxoa quien la hace próxima al espectador. Todos le cogemos cariño a este "pobrecillo" en el que muchos se sentirán/nos sentiremos (ahí queda eso!!) reflejado en alguna ocasión... ¿Quién no se dejaría cortar el pelo por la chica amada?... Y no mientan, por favor... Gorka Otxoa, habitual del humor televisivo, es quien le da el aroma de realidad, de simplicidad, de inocencia, de "pichón", como diría un querido amigo.

Graciosa. Lo es. Borja Cobeaga da forma a una cinta donde el humor está siempre presente y te descubres, por momentos, riendo a carcajadas. ¿Humor facilón? Sí lo es. Pero de lo simple y de lo naturalmente presentada, hace reír, es la verdad.

Y por último, le daremos otro adjetivo que lo merece y le confiere un mérito más. Es fresca y una muestra más de que se pueden hacer buenos productos en el cine español, en un amplio abanico de géneros, desde la simplicidad y sin buscar cosas extrañas y que a lo mejor no sabemos hacer.

No queremos dejar la crítica sin hablar de la gran interpretación de varios de sus personajes. Junto a Gorka Otxoa nos gustaría destacar el papel de Kiti Manver como madre y sobre todo de Oscar Ladoire. Está tremendo genial... Actor poco reconocido, pero que gran toque de calidad y de humor proporciona.
Todo hasta ahora son alabanzas y buenas palabras, pero no se engañen, es lo que es. Una comedia fresca que nos arrancará carcajadas, pero no cine notable ni mucho menos. El humor es simple y llano, y en ocasiones roza lo "casposo" y el aroma a refrito de comedia americana se respira en todo momento. La comedia adolescente está muy trillada y el tufo flota todo el tiempo, pero insistimos, en su frescura también. Un aprobado le hará justicia, pero tampoco podemos volvernos locos y creernos más de lo que es.

Un último consejo. Es consumible doméstico, por favor el cine no le da valor añadido, así que desde el sofá de casa es la distancia perfecta para contemplarla.

Nota general: 5,0 sobre 10.

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viernes, 13 de enero de 2012

Morning Glory

Año: 2010.

Dirección: Roger Michell.

Intérpretes: Harrison Ford, Rachel McAdams, Diane Keaton, Patrick Wilson, Jeff Goldblum, John Pankow, 50 Cent, Ty Burrell.

Sinopsis
La joven y hermosa Becky Fuller (personaje interpretado por Rachel McAdams) es una chica volcada en su trabajo de productora televisiva y que descuida normalmente su vida personal.

Cuando todo apunta a un ascenso dentro de la cadena en la que trabaja, es despedida, lo que supone un duro revés. La búsqueda de u nuevo  trabajo la lleva a una cadena de Nueva York en la que tendrá que sacar a flote un magazine matinal en horas bajas. Este programa está conducido por Colleen Peck (personaje interpretado por Diane Keaton) una veterana casacarrabias curtida en este tipo de shows... Para revitalizarlo, Becky busca un nuevo presentador que la acompañe y ese será Mike Pomeroy (personaje de Harrison Ford). Mike es un veterano periodista en nómina de la cadena, que siempre se ha dedicado a las noticias, pero que lleva apartado de la pequeña pantalla un tiempo por falta de motivación y un buen producto al que hincar el diente. Esta vieja gloria de los informativos se tendrá que adaptar a una nueva televisión y a un nuevo formato... no será sencillo, pero Becky insistirá en ello.

Crítica
Cinta de domingo en calma tumbado en el sofá y al borde de la siesta. Esta frase lo define todo y casi bastaría para darle una nota final, cerrar esta crítica y punto pelota. No obstante, por respeto a nuestros lectores (valientes, osados y admirados por ello al atreverse con este empresa llamada lectura de semejante espacio) nos sabe mal dejarles con una crítica corta y vacía de "chicha".

Estamos ante la típica comedia de oficina, prefabricada y encorsetada en el género, con todos sus tópicos, con un transcurrir al uso y con un final no típico, tipiquísimo.

Bastante pobre y falta de fuelle, ya que enseguida lo pierde. El reparto es su mayor aliciente y su mayor reclamo.  Ni mucho menos es una alarde interpretativo, ni quedará en nuestras conexiones neuronales ninguno de los papeles protagonistas, ni el de Ford, ni Keaton, ni Goldblum, ni Mc Adams..., pero son nombres que por sí solos y juntos, tienen tirón en la taquilla.

Al gran y bueno de Harrison le proporcionará un papel decente...lejos de su época dorada, pero decente, los cuales le son escasos últimamente tanto en número como en contenido y calidad. Para ello le pone al lado a una joven estrella del cine, la prometedora Rachel McAdams, y a una madura y experta de la comedia ácida, la gran Diane Keaton, que domina como pocas este género.

Muy pobre de contenido, guión previsible, escaso y lleno de clichés... Vamos, algo enlatado y típico producto de la factoría cinematográfica yankee que no quedará en la retina de nadie, pero que entretendrá y obtendrá algunos dólares en taquilla. Nada destacable, nada reseñable, pero sí que completa un producto de sobremesa facilona, adormecida y pseudo-placentera... 

Un toque de atención al responsable de la selección musical, desafortunada como pocas, y otro al estilista del señor Ford, vaya peinado señores!!!

Por no aburrir simplemente decirles que se la pueden ahorrar y dedíquenle su tiempo a cosas más nobles y honestas, las cuales seguro les reportaran mayores placeres.

Nota general: 3,0 sobre 10.

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martes, 3 de enero de 2012

The Artist

Año: 2011.

Dirección: Michel Hazanavicius.

Intérpretes: Jean Dujardin, Bérénice Bejo, James Cromwell, John Goodman, Penelope Ann Miller, Missi Pyle, Malcolm McDowell, Ed Lauter.

Sinopsis
George Valentine (personaje interpretado por Jean Dujardin)  es una gran estrella del cine mudo de finales de los años veinte. Todo le sonríe y su carrera parece que no tiene límites en  Hollywood.

La aparición del cine sonoro supondrá un cambio radical en la concepción del séptimo arte. Su carrera como actor y, sobre todo, la forma en la que él encara  este nuevo reto, hace poner en peligro su carrera y su vida.

A la vez que George comienza a caer en el olvido, una gran estrella comienza a emerger, la joven Peppy Miller (personaje interpretado por Bérénice Bejo), con la que le unen ciertos lazos sentimentales, dado que  fue con George con quien comenzó a trabajar y a quien Peppy profesa gran admiración.

Crítica
Vuelta al cine y nunca mejor dicho. The Artist nos ha servido como "retorno a  la gran pantalla tras varias semanas de ausencia" y nos ha servido como viaje de vuelta al cine con mayúsculas. Afirmación cargada de nostalgia y clasicismo que los más entendidos del sector podrían tomar como suya. Estamos ante un retorno al cine clásico, a los grandes momentos del arte, a lo que los más entendidos llaman "época dorada del cine" y que por desgracia (o por suerte, no soy quien para juzgarlo) nos queda lejana y en la cual tampoco hemos profundizado en exceso.

Como dice mi admirado Xavier Vidal la cinta es un giro nostálgico que será apreciado por los críticos de cine, todos ellos con una cierta edad, cargados de admiración casi arqueológica y con cierto "tufillo" al cualquier tiempo pasado fue mejor. No sé si mejor o peor, pero sí distinto. Desde aquí creemos que en toda década se ha hecho buen cine, quizá ahora abunden los productos prescindibles, pero también aparecen buenas cintas, como ésta que nos ocupa.

Nos situamos. Finales de la década de los veinte, justo antes del crack del 29 (cuántas crisis económicas ocurren, por dios, y parece que no aprendemos...). Cine mudo, antesala del cine sonoro. Hollywood en plenitud, desbordante, emergente, turgente. Amor desapasionado, romance asexuado.... Un grandísimo homenaje al pasado, a la interpretación pura, al poder del actor... Sí señores, sí, entre otras muchas cosas, creemos sinceramente que es una reivindicación del papel del actor, por un lado, y de la necesidad vital de guión. Elementos a destacar sin dejar de lado el poderío visual y cómo no!! LA MÚSICA... ese elemento que tanto nos gusta en CINE DESDE LA IGNORANCIA, qué tan vital era en el cine mudo y qué tan bonita, sí bonita, es en esta ocasión. Mi música bonita.

Estamos en una época en la que el cine se está preocupando por encontrar nuevas fórmulas, tales como la animación, el 3D, un sonido y efectos sonoros desbordantes... avances, claro está, como en su día fue lo que en esta cinta mueve las inquietudes del personaje de Jean Dujardin, la aparición del cine sonoro. Época en la que estas nuevas fórmulas parecen robarle papel al actor, a la interpretación pura, a la mirada, al gesto, a la emoción, a la lágrima, al amor, a la pasión... Y en eso, nos encontramos con The Artist: muda y alabando al cine mudo... No puede haber una mayor exaltación del rol del actor... de la interpretación. Sí amigos, la interpretación... eso que últimamente se está perdiendo en los productos comerciales, donde reina la risa fácil, el tiro, la explosión, el sustito que te crío, el pecho de la protagonista por ahí luciéndose, los abdominales del buenorro de turno, los efectos especiales más elaborados del mundo... Pero, ¿qué define a este arte por encima de todo? Les contesto, no se preocupen. Lo que en esas cintas brilla por su ausencia: una buena historia y la interpretación, aspectos que siempre destacamos en este espacio de ignorancia supina. Junto a la música, casi es lo que siempre alabamos o destrozamos....

Hazanavicius construye, hila, cocina, cose, teje una HISTORIA delicada, preciosa, emotiva y precisa. Sí HISTORIA con mayúsculas, porque las merece. Si ensalzábamos el papel de la interpretación y el homenaje que esta película le brinda, aún por encima hay que elevar la calidad de la historia. Sin historias que contar, ¿qué sería el cine? Simplemente una sucesión de fotogramas impresos en un material polimérico y de apariencia laminar, a través del cual se hace pasar radiación para proyectar unas imágenes sobre una lámina lisa a modo de pantalla.  Aquí, estamos ante una historia deliciosa que logra calar en el espectador. Reconocemos que no apta para todos los públicos; el blanco y negro y el género mudo se puede hacer indigesto para muchos espectadores, y eso tampoco hay que olvidarlo...

Decíamos que logra calar, por supuesto que sí. Al salir del cine uno se va convencido de que no sólo  ha disfrutado de un momento de entretenimiento y diversión, sino que al final, se va convencido de que ha gozado de una muy buena película.

El guión, la fotografía y la dirección son un gran homenaje a los clásicos queriendo "saldar una deuda con los orígenes de la industria" ... Si por nosotros fuera, esta rúbrica cancelaría esa hipoteca...

En esa exaltación de lo clásico, del cualquier época pasada fue mejor (nuestras reservas o limitaciones le ponemos a esta afirmación), queremos destacar dos escenas maravillosas y perdón el spoiler. La escena de las escaleras, cuando se cruzan George y Peppy. Nos recordó a ese genio llamado Chaplin, a sus engranajes de Tiempos Modernos. Parecen escaleras móviles, efecto conseguido por la circulación de las personas. El mundo funciona, el mundo se mueve, pero por un momento parece que todo se para para dar espacio y tiempo a la  posibilidad del amor entre Goerge y Peppy, Peppy y George. El mundo quiere concederse un respiro y observar a esa pareja, a esa pareja que se quiere por encima de todo. La despedida llega y el mundo continúa, gente vuelve a subir y bajar por esos engranajes de peldaños en diagonales perfectas, cual geometría griega, cual geometría CLÁSICA.

Y por otro lado, el gran acierto de la escena en la que George "viaja" hasta el momento en el que se da cuenta de que no tiene voz en un mundo en el que las cosas suenan y siente el miedo, el pánico atroz a sentirse fuera, a sentirse nada, aislado de lo que le rodea.... olvidado.

Y cómo no!! No se nos olvida. Siempre amada desde aquí, dando siempre valor añadido. Dando siempre el marco, el ambiente, el lienzo sobre el que bailar... La música. Preciosa, brillante, imprescindible. Qué gran homenaje, rememorando los estrenos del cine mudo donde una orquesta a pie de pantalla interpretaba la el acompañamiento musical... Me hubiera gustado poder viajar a aquellos tiempos y disfrutarlos, ¿vendrían conmigo?

De nuestras palabras deducirán que nos gustó, pero también le ponemos nuestros "peros", posiblemente derivados del formato y necesarios, pero bueno, ya saben que estamos aquí para hablar con el poco criterio que el que lo reparte nos concedió. En ocasiones roza el amaneramiento y la fórmula empleada requiere de cierta sobreactuación... Como ya hemos comentado no la consideramos apta o buena para el paladar de todos los públicos y a gran parte se le puede hacer indigesta. La ausencia de la palabra no deja de eliminar cierta chispa del cine, ciertos elementos que los diálogos ponen en el plato y que dan también mucho sabor. Desde aquí también levantamos una lanza por el sonido, la palabra, el tono, la voz... como elementos del conjunto llamado interpretación. Reivindiquemos la comunicación oral, sazonadora de emociones y matices.

The Artist es una película que huele a premios, a globos de oro, a cesars, a oscars. Huele también a buenas críticas. Pero, ¿cuánto hay en ello de añoranza por lo clásico y cuánto hay también por querer elevar a excelente todo lo anterior para denostar el presente? Contesten ustedes mismos, nosotros tenemos ya nuestra respuesta... Pero, por favor, sea cual sea su respuesta, no duden de la calidad de esta película. Se la recomendamos.

Y una última cosa, ¿no salió usted con ganas de bailar claqué? Yo...

Nota general: 7,0 sobre 10.

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